Cine Verité

À primeira vista, sua escolha parecia de caráter duvidoso. Inicialmente rejeitado por sei o primeiro intérprete loiro e não ter os traços típicos dos galãs anteriores, Daniel Craig não foi recebido com muitos sorrisos pelo público geral. Mas bastou “Cassino Royale” chegar às telas de todo mundo em 2006 que o fascínio foi instantâneo. As feições mais rígidas de Craig se mesclaram com a elegância dos ternos feitos sob medida e seu vigor nas cenas de ação e transformaram o que era rejeição e um sex symbol, no auge dos seus 38 anos. Nove anos depois, o britânico encerra sua jornada no papel do espião mais cobiçado e amado em uma produção que se despede a todo momento do público, finalizando honrosamente uma das melhores trajetórias de James Bond.

“007 Contra Spectre” vai à raiz de James Bond, mas não nos mesmos parâmetros que o brilhante “Skyfall” fez. O capítulo final de Daniel Craig, lindamente trajado nos ternos desenhados pelo estilista Tom Ford, é marcado por uma viagem aos anos primorosos do espião, trazendo a organização Spectre para o centro da produção após 32 anos desde sua aparição (que data 1983, em “007 Nunca Diga Nunca”). Presente em oito filmes da saga de James Bond, a instituição volta a ser o centro dos conflitos e nos reapresenta a Blofeld, desta vez vivido por Christoph Waltz. Trazendo vestígios de Skyfall para o núcleo da trama, “Spectre” reacende nossa memória com os aspectos que mais nos cativaram no penúltimo filme, abordando a espionagem por um viés mais intimista e emocional, voltando também às memórias de Bond.

Nesse sentido, o roteiro caminha lindamente. Por se tratar do filme de despedida de uma das melhores fases de James Bond desde Sean Connery, Sam Mendes e seu quarteto de roteiristas alimentam em nós o sentimento saudosista, nos levando a uma epifania onde percorremos rapidamente por todos os quatros filmes da era Craig. Ampliando ainda mais o alcance e abrangência da organização Spectre, o filme nos apresenta à instituição como algo novo para alinhar os novos fãs a uma saga que percorre décadas e gerações, à medida que remete ao passado glorioso em detalhes como o icônico carro de Bond, o Aston Martin de 1964, e aos vilões que contribuíram para a consagração da era 2006-2015.

O sentimento de despedida ao longo das mais de duas horas de filme surge também no roteiro em si. A fusão da MI6 com outra organização coloca todo o sistema de espionagem da instituição em um eminente colapso, a ponto de sucumbi-la em níveis tão profundos que o seu próprio corpo de espiões deixaria de existir da forma como o conhecemos. O fim que parece nos alcançar após incansáveis nove anos ao lado de Daniel Craig percorre também os átrios da MI6 e o adeus parece estar cada vez mais próximo, em todos os âmbitos. O sentimento de perda se estende ao filme, o que torna as despedidas ainda mais duras de serem ditas.

Em se tratando de direção, Sam Mendes se mostra a vontade com o elenco, trazendo seu estilo pessoal para um filme de espionagem, dado corpo (mais uma vez) a uma produção que não se trata apenas de tiros e pancadaria. Explorando sua ótica já vista em seus filmes “Beleza Americana” (2000) e “Foi Apenas Um Sonho” (2008), ele une o simbolismo da profundidade do olhar e das reações do elenco em cena, enquanto também se mostra versátil em momentos mais rápidos, como em uma brilhante sequência nos primeiros 10 minutos de filme, de um duelo emblemático entre Bond e Marco Sciarra (Alessandro Cremona), a bordo de um helicóptero em uma quase espiral alucinante. Para deixar sua marca na direção, o cineasta logo começa com um simples plano-sequência, que pode passar despercebido para os mais distraídos, mas já nos imprime sua assinatura logo de cara. Quanto à abertura, sempre um espetáculo a parte, a canção “The Writing Is On The Wall” soa mais cativante agora que está contextualizada, isso para aqueles que se mostraram avessos a musica, em primeira instância (o que não foi o meu caso).
A única fraqueza de “007 Contra Spectre” está em nos permitir ficar à deriva em relação à personificação de Blofeld de Christoph Waltz. O ator sempre nos surpreende por sua versatilidade e irreverência e vê-lo como o grande vilão da produção gerou todo tipo de expectativa, que saberíamos que seria muito bem superada. No entanto, a fraca caracterização do personagem por parte dos roteiristas e sua real aparição tardia nos deixam no vácuo, a espera de algo que nos é prometido no trailer, mas não foi entregue. A falha não está em Waltz, que faz das tripas o coração, replicando a clássica cicatriz de Blofeld, que corta parte do rosto, com um pavor ideal. A falha está na composição do personagem, que não faz jus ao ator e o reduz a um vilão esquecível, diferente daquele vivido por Javier Bardem. A comparação entre ambos é extremamente pertinente, pois mostra o que uma boa caracterização é capaz de fazer em cena.

Quando caminhamos em direção ao final de “Spectre”, novamente somos tomados por aquela sensação inevitável do fim de um ciclo. E todo esse simbolismo do adeus é algo que vemos clinicamente pontual apenas nessa fase de James Bond. É estranho pensarmos que aquele que era rejeitado agora não que ser liberado e as despedidas frequentes em “Spectre” e direção de Sam nos salientam o desejo de fazer isso de forma memorável. Afinal de contas, talvez esse seja o personagem mais difícil de desprender depois da soberba performance de Daniel Craig, que precedeu o fraquíssimo desempenho de Pierce Brosnan. E a música tema de Sam Smith extrai justamente isso. O escrito na parede é o nome de James Bond, dentre tantos outros que “serviram bravamente”, e agora ele pendura seu blazer em um adeus sublime. Mas ainda que o fim seja um fim, nós sabemos que para cada encerramento, há sempre um novo começo. E quem sabe ele não seja com Idris Elba, para dar sequência na quebra de protocolos.

Se existe alguém confortável com a plenitude espacial, o “estar à deriva” e todo o conceito futurista, é Ridley Scott. O cineasta já percorreu por outros horizontes, recentemente se entregou ao épico bíblico com “Êxodo”, mas seu ambiente familiar sempre foi e será o sci-fi. É natural, tal como ligar Steven Spielberg à blockbusters e produções históricas. Existe uma ligação plena e admirável, como se ambos pertencessem a esses espaços. E eles nunca nos deixam na mão.

Ridley Scott pode ter falhado em alguns aspectos com “Prometheus” e isso pode até ter gerado uma certa desconfiança no público mais cético quanto a abordagem que a adaptação “Perdido em Marte” poderia trazer, mas convenhamos, o cineasta está em casa. E como alguém que se sente a vontade, ele nos imergiu na quase desconfortável solidão de um astronauta que não se rendeu ao abandono em uma terra de ninguém. Literalmente.

Marte está em fase de exploração, apresenta recursos naturais limitados e a subsistência da vida humana é quase impossível. Condições tão desesperadoras compõem o cenário perfeito para o drama de um homem só, deixado no planeta e dito como morto. Sem proporções e previsões otimistas, “Perdido em Marte” poderia ser aquele tipo de filme sobre aquele tipo de personagem, naquele contexto onde não há vida, nem perspectiva dela. A produção poderia seguir por esse viés, elevando a dramaticidade às alturas, o que é totalmente compreensível. Mas fugindo da intensidade extrema e da vertigem angustiante que sci-fis espaciais sempre promovem na audiência, Ridley Scott nos entrega um doce drama, regado de humor e otimismo, em uma terra onde a única vida que pode ser gerada cabe a um único e isolado astronauta. E ao seu senso de humor.

Quando estamos diante de um filme em que a história é centrada em apenas um personagem, é fundamental que ele seja bem construído, independente do ângulo ser dramático (como lindamente executado com Sandra Bullock em “Gravidade”), ou cômico. Por se tratar de um “monólogo”, a abordagem é crucial e define que tipo de relacionamento o público vai desenvolver com a figura que nos é apresentada. Considerando a premissa original do livro que deu origem à produção, de Andy Weir, Scott transforma a narrativa feita em primeira pessoa em um diálogo de um homem só, com a ajuda das adoradas GoPros. E de repente, a solidão quase desconfortável citada logo no começo sede espaço para um engraçado astronauta, experiente em botânica e disposto a sobreviver com seus recursos limitados até um futuro resgate.

Adaptar um livro todo feito em primeira pessoa é desafiante, uma vez que a dinâmica escrita nem sempre funciona tão bem nas telas de cinema. A roteirização de Drew Goddard casou com o estilo peculiar de filmagem do cineasta, que costuma usar cerca de quatro câmeras simultaneamente para pegar diversos ângulos de cena e interpretação. No final das contas, entre momentos pontuais na sede da NASA e do resto da tripulação em outra missão, estamos diante apenas de Matt Damon, com seu protagonista Mark Watney, que deve nos convencer com seu carisma, senso de humor e habilidades físicas e químicas. E ele consegue como ninguém.

O relacionamento de Matt com a câmera é espetacular. Suas cenas são longas, com diálogos extensos regados por sua única perspectiva, na esperança de que essas filmagens alcancem alguém além dele mesmo. Não sei se neste caso é possível dizer que o personagem quebra a quarta parede, dialogando com a audiência. Afinal, as filmagens possuem o objetivo claro de chegar até a NASA. Mas a dinâmica acontece dessa forma e ao decorrer do filme nos identificamos com seu anseio por sobrevivência, ânimo e empenho em construir uma vida temporária. A empatia não surge pela ligação familiar de Mark Watney, elo normalmente usado em produções como essa. Nossa conexão com o personagem se dá única e exclusivamente por sua construção e por nos identificarmos com ele. Embora seja um astronauta com grau de inteligência elevadíssimo, em cena, Mark Watney é apena um homem criativo em busca da sobrevivência.

O desenvolvimento tão natural do personagem de Matt Damon é fruto também da dinâmica de backstage entre os atores e Ridley Scott. Com um elenco totalmente experiente e suficiente para chamar a atenção na grade de programação dos cinemas, o cineasta trouxe para telas vestígios do relacionamento entre todos quando as câmeras estão desligadas. Segundo Scott, “esse é um daqueles filmes em que laços são formados”. Mais um aspecto perceptível na produção.

O que também torna “Perdido em Marte” um filme fascinante e que se destaca de outras produções do gênero é a precisão nas informações trazidas em telas e a simplicidade nisso. Não é necessário conhecimento prévio ou técnico do espectador, mas tanto o escritor do livro como o roteirista foram amparados pela NASA. Enquanto Andy Weir fez cálculos diversos tornando seu primeiro livro em uma ficção baseada em dados reais (além de ser um dos favoritos do órgão federal), o roteiro faz uso de números pré-existentes da instituição. Eles estão ali para garantir que não haja suspensão de realidade nos momentos mais preciosos do filme, à medida que não se prolonga em vastas explicações científicas, que deixam a audiência confusa. O que você precisa entender é: Mark Watney deve ser trazido de volta para Terra de forma prática e viável.

Com um viés puxado para o entretenimento, uma trilha sonora toda embasada na Disco Music dos anos 70 e um leve toque de drama (para garantir o frenesi no clímax do filme), Ridley Scott volta a sua boa forma, se é que um dia a deixou. Trazendo no elenco gente como Jeff Daniels, Jessica Chastain, Chiwetel Ejiofor, Kate Mara e Kristen Wiig, “Perdido em Marte” não desaponta nem o público e nem a NASA, conseguindo o grande e raro trunfo de agradar gregos e troianos no melhor estilo sci-fi.

Uma espécie de crise de identidade paira sobre Hollywood. Nunca vimos tantas produções derivadas de outras surgirem como nos últimos meses. Histórias que já foram contadas e carregam em si o estigma de clássico, mas voltam para as telas pouco a pouco para uma nova geração. Como “donos” (que nós mesmo nos auto-intitulamos) das décadas de 1980 e 1990, dói ver um novo remake, reboot ou spin-off surgir. Sempre paira aquela sensação temerosa de que nada pode superar o que já foi feito. Ou o medo de que isso aconteça de forma que rompa com a nossa ligação com o passado cinematográfico.

“O Agente da U.N.C.L.E” entra como parte desse imaginário tão bem concebido há décadas atrás, mas que agora encontra um público que, possivelmente, olha para as siglas U.N.C.L.E e é incapaz de tirar qualquer definição além de “tio”. A diferença, é que o produto original não é de um passado recente, tão pouco foi nos apresentado em intervalos de tempo curto, como tem acontecido como a adaptação de Spider-Man. “The Man From U.N.C.L.E” é dos anos 60, época de boa parte dos pais com filhos nascidos nos anos 80/90. Época em que o extinto canal brasileiro TV Excelsior a exibia como parte de sua programação semanal.

E a série de TV se perpetuou, mesmo após seu cancelamento em 1968. Fez uma união improvável no auge da Guerra Fria, colocando norte-americanos e soviéticos como partes de um projeto muito maior que todo e qualquer ego, poderio bélico ou intriga pós Segunda Guerra Mundial: a proteção do mundo. Se apropriando da popularidade dos filmes de James Bond, o cenário hollywoodiano une o amor pela tecnologia ainda precária com bugigangas extravagantes, a beleza e impecabilidade dos agentes secretos e o humor que quase beira ao pastelão de Peter Sellers, com a pitada exata que nos trouxe uma das melhores séries do gênero. O porque dessa vasta introdução? O cineasta Guy Ritchie entendeu que clássicos são inerentes ao tempo, mas que eles sempre podem ser revisitados como se fosse a primeira vez.

Em “O Agente da U.N.C.LE” temos o mesmo cenário histórico, com o Muro de Berlim dividindo a Alemanha Ocidental da Oriental, dificultando cada vez mais o sonho capitalista de uma parte da nação que permanecera refém do comunismo forçado. O desejo de uma vida próspera no lado de lá do muro une Napoeleon Solo (Henry Cavill), Gaby Teller (Alicia Vikander) e na pior das hipóteses coloca lado a lado como parceiro do alinhado americano, o russo Illya (Armie Hammer). Um plano de fundo caótico que reflete diretamente no plano central. O que poderia dar errado?

Em termos de produção, nada. Se esquivando da mesma premissa que a saga cinematográfica “Missão Impossível” optou, ao ignorar a construção da série original de mesmo nome que perdurou por sete temporadas entre 1966 e 1973, “O Agente da U.N.C.L.E” abraça seu papel histórico que a definiu como um sopro de vida nos tempos de outrora e constrói uma história simples, que consegue ser contemporânea, ainda que o ano seja 1964. Cuidadosamente bem executada, a produção entende o timing exato para o humor entrar em cena, não gerando choques de gêneros que poderiam comprometer o objetivo da trama, que é ser um filme de ação sério. Mas não tão sério assim.

É uma linha tênue, quase imperceptível que separa filmes de ação escrachados e exagerados de bons filmes de ação leves. Perceber onde está essa delimitação é um desafio muitas vezes fracassado por cineastas. Deu errado em “Homem de Ferro 3”, que na tentativa de ser leve, mas com momentos impactantes, se torna “engraçaralho”, desconstruindo os personagens e a trama a cada cinco minutos e confundindo o espectador, que não sabe muito bem como se portar diante do que lhe é apresentado. “U.N.C.L.E” vai pelo caminho inverso e acerta perfeitamente. Os momentos cômicos trazem o ar contemporâneo do filme, pois são atemporais. A comédia não reside no contexto histórico, não exige do espectador mais despretensioso um conhecimento prévio para de divertir. O cômico vem do viés de Peter Sellers e de seus clássicos como “A Pantera Cor-De-Rosa”: que seja apenas engraçado. Para todos.

Como roteirista, Guy Richie acertou como nunca! Uniu o humor atemporal sem torná-lo pastelão, mantendo a autenticidade do filme como sendo do gênero de ação. Não há desconstrução, tão pouco confusão. Você ri, sabe porque está rindo, mas continua levando o filme a sério. As rápidas cenas de ação, bem arquitetadas e coreografadas, sustentam isso, ao lado do cenário histórico que é extremamente sério.

Parque dos Dinossauros do bilionário John Hammond era ousado, talvez mais simplista dentro da sua enorme complexidade, mas ainda assim ousado. E embora ele já fosse real em 1993, era desconhecido do resto do mundo, não havia encontrado seu público ainda. Até chegarmos em 2015 e então nos depararmos com as portas de “Jurassic World” se abrindo diante dos nossos olhos vidrados. Finalmente, o Parque dos Dinossauros está aberto ao público.

Talvez você não se lembre, mas na primeira adaptação dos livros de Michael Crichton o parque estava em fase de teste. Após um terrível acidente, era necessário comprovar sua segurança e viabilidade. Em 1993 não deu muito certo, mas bons anos depois o conceito funcionou e somos levados para aquele universo de Hammond, onde homens e dinossauros se encontram e dividem o mesmo espaço.
E o que poderia dar errado? Manipular geneticamente uma criatura tão extinta e tentar domá-la, moldando aos moldes humanos? Todos sabem que isso pode não funcionar, mas tal verdade jamais impediu que esse imperialismo em cima da vida selvagem fosse barrado. E essa teimosia humana em extrapolar os limites é mais uma vez o foco central dentro de toda a trama de “Jurassic World”. Tal como nos primeiros filmes, a sede pela manipulação humana surge novamente e sem perceber, faz uma pequena comparação à brutalidade que vemos se repetir camufladamente em parques como o Sea World.

Talvez para perceber isso seja necessário conhecer um pouco mais do parque de Orlando onde orcas e baleias são enjauladas para o divertimento humano. Talvez exija de você cerca de duas horas do seu dia para assistir ao documentário indicado ao Oscar, “Blackfish”. Independente disso, o quarto filme da franquia bilionária de Steven Spielberg traz um tom maduro suave, ao explorar com mais ênfase a agressão psicológica e escravidão que esses animais selvagens são submetidos a nosso bel prazer. Única e exclusivamente visando o entretenimento.

E a frieza e postura calculista da chefe de operação do parque, Claire Dearing (Bryce Dallas Howard), evidenciam ainda mais essa crítica social, à medida que se contrapõe com a personalidade de Owen (Chris Pratt). Mas para não se perder dos atributos originais que fizeram de Jurassic Park um dos grandes imaginários infantis e que nos levou por noites a dentro em diversas sessões da Tela Quente, o filme se empenha em manter o tom de blockbuster com protagonistas bem jovens em cenas rápidas de ação, alívios cômicos que quebram a tensão e momentos impactantes. E o melhor, o sangue não nos foi poupado.

Steven Spielberg, como diretor executivo do quarto capítulo da saga, conseguiu manter o mesmo padrão de qualidade que vemos nos dois primeiros filmes dos anos 90. Vidas não são poupadas, tão pouco são nossos corações. Aquele mesmo frenesi de outrora volta e com um gostinho ainda melhor para os que puderam assistir “Jurassic Park” em seu auge.

E como é bom sermos valorizados como um público fiel! A equipe de quatro roteiristas honra os saudosos ao leva-los para uma breve viagem ao túnel do tempo. Por diversas vezes o nome de Hammond (que possui sua própria estátua no parque, uma referência clara à estátua de Walt Disney em Magic Kingdom) surge, assim como seu projeto original. Não cabe aqui revelar mais do que isso, pode de fato estragar um momento glorioso no filme.

“Jurassic World” prova também que aquelas técnicas que tanto amamos dos clássicos dos anos 90 não só ainda são aplicáveis, como são muito mais eficazes que o “contar histórias” aplicado no cinema hoje. Por conta da restrição PG-13, que limita roteiros às cenas mais leves e de menor impacto, grandes produções que hoje passam por reboots, remakes ou continuações sofrem. A fim de tornar um filme “aceitável” para todos os públicos, boas histórias são picadas diante dos nossos olhos.

Contrariando o que José Padilha errou no remake de “Robocop”, “Jurassic World” vem como um filme capaz de agradar ambos os públicos, incluindo os mais antigos. Ele consegue entrar naquela margem tênue de produção que se enquadra para famílias, uma nova geração de jovens e adultos sem pecar na qualidade fílmica, inclusive no uso da tecnologia CGI. A história é progressiva, segue de forma linear. Aparentemente, Spielberg havia deixado brechas caso um novo filme chegasse. O quarto capítulo se encaixa bem dentro da cronologia do primeiro e isso é revigorante para uma trama com muitas sequências por vir.

O abrir oficial dos portões do novo parque traz um belo recomeço que honra o passado, à medida que traz também aquela mesma sensação doce que a canção tema “Welcome to Jurassic Park”, do brilhante compositor John Williams, nos trouxe lá nos anos 90: de que tudo, absolutamente tudo, ainda pode surpreender seus olhos.